- Details
- 2026-10-28 17:00:31
Uncategorised
- Details
SACRED SKIN
Darkwave, New Wave und Synthpop zwischen Melancholie, Romantik und nächtlicher Eleganz
Wenn die Achtziger in der Gegenwart weiterleben
Manchmal braucht es keine komplizierten Klangexperimente, um mich zu erreichen. Ein prägnanter Synthesizer, eine starke Melodie und eine Stimme, in der mehr liegt als bloße Perfektion. SACRED SKIN aus Los Angeles verstehen genau diese Mischung. Das Duo Brian DaMert und Brian S. Tarney verbindet New Wave, Synthpop und Post-Punk mit einer gehörigen Portion Melancholie und romantischer Dunkelheit. Ihre Musik erinnert an die großen emotionalen Momente der Achtziger, wirkt dabei aber nicht wie eine Kopie vergangener Zeiten.
Für mich liegt der Reiz gerade in dieser Verbindung: SACRED SKIN machen Musik, die zugänglich ist, ohne beliebig zu werden. Sie darf groß und gefühlvoll klingen, ohne sich dafür entschuldigen zu müssen.
Zwischen New Wave und dunkler Romantik
Die Synthesizer stehen im Mittelpunkt, dazu kommen klare Rhythmen, eingängige Melodien und ein Gesang, der zwischen Sehnsucht, Verletzlichkeit und dramatischer Intensität wechselt. SACRED SKIN bewegen sich musikalisch zwischen New Romantic, Synthpop, Darkwave und Post-Punk. Dabei ist die dunkle Seite nicht immer laut oder aggressiv. Manchmal steckt sie einfach in einer Melodie, die noch lange im Kopf bleibt, oder in diesem Gefühl, dass hinter einer scheinbar glänzenden Oberfläche etwas zerbrechlich ist.
Genau das mag ich an dieser Art von Musik. Sie verbindet die Eleganz des Synthpop mit einer emotionalen Tiefe, die im Alltag oft keinen Platz findet. Hier geht es um Beziehungen, innere Unruhe, Sehnsucht und die Dinge, die uns nicht so einfach loslassen.
The Decline of Pleasure – die dunkle Seite des Vergnügens
Mit ihrem Debütalbum The Decline of Pleasure, das 2022 erschien, haben SACRED SKIN ihren eigenen Platz zwischen moderner Dark Music und klassischem New Wave gefunden. Songs wie „Colder“, „Eyes Closed“, „Far Away“ und „Earthbound“ zeigen, wie gut das Duo elektronische Klangflächen mit starken Melodien und einer melancholischen Grundstimmung verbindet.
Der Sound besitzt einen deutlichen Bezug zur Ästhetik der Achtziger. Vintage-Synthesizer und ältere digitale Studiotechnik gehören dabei ebenso zum musikalischen Konzept wie das Gespür für große, unmittelbar verständliche Melodien. Entscheidend ist jedoch das Songwriting. SACRED SKIN verlassen sich nicht allein auf Retro-Atmosphäre, sondern schreiben Stücke, die auch ohne nostalgische Brille funktionieren.
Mit Born in Fire folgte 2024 das zweite Album. Es führt die melodische, romantische Seite des Projekts weiter und zeigt, wie selbstverständlich SACRED SKIN zwischen New Wave, Synthpop und dunkler Popmusik wechseln können.
Zwischen Licht und Schatten
Was SACRED SKIN für mich interessant macht, ist dieser Gegensatz zwischen musikalischer Eleganz und emotionaler Schwere. Die Songs können glänzen, ohne oberflächlich zu wirken. Sie können tanzbar sein und trotzdem eine gewisse Einsamkeit transportieren. Gerade Tracks wie „Paranoid“, „The Lights“ oder „Waiting“ zeigen, wie sich eingängige Melodien und dunklere Gefühle miteinander verbinden lassen.
Hier wird nicht versucht, Dunkelheit ausschließlich über Härte zu erzeugen. Stattdessen entsteht sie durch Atmosphäre, Spannung und die Art, wie sich Stimme und Synthesizer gegenseitig ergänzen. Das ist eine andere Form von Dark Music als die maschinelle Kälte des EBM oder die rohe Energie des Industrial. SACRED SKIN setzen stärker auf Gefühl, Melodie und die romantische Seite der Nacht.
SACRED SKIN und die moderne Darkwave-Szene
SACRED SKIN zeigen, dass die musikalische Sprache der Achtziger noch lange nicht ausgeschöpft ist. New Wave und Synthpop werden hier nicht einfach als nostalgische Erinnerung behandelt, sondern als Grundlage für zeitgenössische Songs. Das Duo bewegt sich damit in einem Umfeld, in dem sich Darkwave, Post-Punk und elektronischer Pop immer wieder neu begegnen.
Dabei muss nicht jeder Song maximal düster oder experimentell sein. Manchmal reicht eine gute Melodie, die richtige Stimmung und ein Arrangement, das genau weiß, wann es sich zurücknehmen muss. SACRED SKIN verstehen diese Balance. Ihre Musik passt sowohl in einen Club, in dem die Nacht langsam Fahrt aufnimmt, als auch in jene stillen Stunden, in denen man lieber allein mit seinen Gedanken bleibt.
Mein Einstieg
Wer SACRED SKIN noch nicht kennt, sollte mit The Decline of Pleasure (2022) beginnen. „Colder“, „Eyes Closed“ und „Far Away“ vermitteln einen guten Eindruck von der Mischung aus New Wave, Synthpop und melancholischer Dunkelheit. Danach lohnt sich Born in Fire (2024), auf dem das Duo seinen melodischen und emotionalen Ansatz weiterführt.
Wer auf moderne Darkwave-Klänge steht, aber auch die romantische Seite von New Wave und Synthpop schätzt, sollte SACRED SKIN unbedingt auf dem Schirm haben.
Melodisch, melancholisch und voller dunkler Romantik – SACRED SKIN zeigen, dass selbst im Schatten noch genug Licht für einen guten Song bleibt.
Facebook:
https://www.facebook.com/SacredSkinsound
Bandcamp:
https://sacredskin.bandcamp.com/track/faith
Instagram:
https://www.instagram.com/__sacredskin__
Records:
https://www.youtube.com/@Artoffact
SACRED SKIN
Darkwave, New Wave and Synthpop between melancholy, romance and nocturnal elegance
When the Eighties Live On in the Present
Sometimes it doesn't take complicated sonic experiments to get to me. A distinctive synthesizer, a strong melody and a voice that carries more than just technical perfection. SACRED SKIN from Los Angeles understand this combination perfectly. The duo of Brian DaMert and Brian S. Tarney blend New Wave, Synthpop and Post-Punk with a generous dose of melancholy and romantic darkness. Their music recalls the great emotional moments of the eighties without sounding like a copy of times gone by.
For me, that's where the appeal lies. SACRED SKIN make music that's accessible without becoming interchangeable. It can sound grand and emotional without having to apologize for it.
Between New Wave and Dark Romance
Synthesizers take center stage, accompanied by crisp rhythms, memorable melodies and vocals that shift between longing, vulnerability and dramatic intensity. Musically, SACRED SKIN move between New Romantic, Synthpop, Darkwave and Post-Punk. But the darkness here doesn't always have to be loud or aggressive. Sometimes it's simply hidden in a melody that stays with you long after the song has ended, or in the feeling that something fragile lies beneath an apparently polished surface.
That's exactly what I like about this kind of music. It combines the elegance of Synthpop with an emotional depth that often has little room in everyday life. These songs deal with relationships, inner turmoil, longing and the things that refuse to let us go.
The Decline of Pleasure – The Dark Side of Pleasure
With their debut album The Decline of Pleasure, released in 2022, SACRED SKIN established their own place between contemporary Dark Music and classic New Wave. Tracks such as “Colder,” “Eyes Closed,” “Far Away” and “Earthbound” demonstrate how effectively the duo combine electronic textures, strong melodies and an underlying sense of melancholy.
Their sound has a clear connection to the aesthetics of the eighties. Vintage synthesizers and older digital studio equipment are part of the musical concept, alongside a feel for big, immediately memorable melodies. But what really matters is the songwriting. SACRED SKIN don't rely on retro atmosphere alone. They write songs that work perfectly well without a nostalgic filter.
Their second album, Born in Fire, followed in 2024. It continues the project's melodic and romantic approach, showing just how naturally SACRED SKIN move between New Wave, Synthpop and darker forms of pop music.
Between Light and Shadow
What makes SACRED SKIN interesting to me is the contrast between musical elegance and emotional weight. Their songs can shine without feeling superficial. They can be danceable while still carrying a sense of loneliness. Tracks such as “Paranoid,” “The Lights” and “Waiting” show how effortlessly catchy melodies can coexist with darker emotions.
The darkness here isn't created through sheer heaviness. Instead, it emerges from atmosphere, tension and the way the vocals and synthesizers complement each other. This is a different side of Dark Music from the mechanical coldness of EBM or the raw energy of Industrial. SACRED SKIN lean more towards emotion, melody and the romantic side of the night.
SACRED SKIN and the Modern Darkwave Scene
SACRED SKIN demonstrate that the musical language of the eighties is far from exhausted. New Wave and Synthpop aren't treated as nostalgic memories but as foundations for contemporary songs. The duo occupy a space where Darkwave, Post-Punk and electronic pop continue to meet and influence one another.
Not every song has to be relentlessly dark or experimental. Sometimes all it takes is a good melody, the right atmosphere and an arrangement that knows exactly when to hold back. SACRED SKIN understand that balance. Their music works just as well in a club where the night is slowly gathering momentum as it does during those quiet hours when you'd rather be alone with your thoughts.
My Starting Point
If you're new to SACRED SKIN, start with The Decline of Pleasure (2022). “Colder,” “Eyes Closed” and “Far Away” offer a good introduction to their blend of New Wave, Synthpop and melancholic darkness. From there, move on to Born in Fire (2024), where the duo continue to develop their melodic and emotional approach.
If you're into modern Darkwave but also appreciate the romantic side of New Wave and Synthpop, SACRED SKIN are definitely worth keeping on your radar.
Melodic, melancholic and full of dark romance – SACRED SKIN prove that even in the shadows, there's still enough light for a great song.
- Details
GHOST COP
Darkwave, Post-Punk und Synthpop zwischen Großstadtdystopie und Horrorfilm
Wenn die Nacht einen eigenen Soundtrack bekommt
Es gibt Musik, die klingt, als wäre sie direkt aus einem längst vergessenen Film der Achtziger gefallen. Verlassene Straßen, flackernde Neonreklame, seltsame Gestalten im Halbdunkel und irgendwo läuft eine Maschine, die eigentlich längst abgeschaltet sein sollte. Genau in dieser Welt bewegen sich GHOST COP aus New York. Das Duo Lucy Swope und Sean Dack verbindet Darkwave, Post-Punk und Synthpop mit elektronischer Kälte und der Atmosphäre alter Horror- und Science-Fiction-Filme. Dabei geht es nicht nur um Nostalgie. GHOST COP nehmen vertraute Klänge und führen sie in eine eigene, düstere Gegenwart.
Zwischen Synthesizern und Schatten
GHOST COP arbeiten mit treibenden Beats, dunklen Synthesizern und Melodien, die sich irgendwo zwischen Eingängigkeit und Unbehagen bewegen. Mal klingt das Ganze kühl und distanziert, dann wieder überraschend hymnisch. Dazu kommen Vocoder, elektronische Rhythmen und eine Vorliebe für jene leicht verstörende Stimmung, die gute Horrorfilme auszeichnet, ohne dass dafür ständig etwas aus dem Schatten springen muss.
Mich reizt an diesem Sound vor allem die Mischung aus kontrollierter Elektronik und einer gewissen filmischen Überzeichnung. Hier darf Musik groß wirken, ohne gleich bombastisch zu werden. Sie kann tanzen, erzählen und gleichzeitig ein ungutes Gefühl hinterlassen.
Eine Welt aus B-Movies und Zukunftsängsten
Die Einflüsse von GHOST COP reichen von den dunkleren Seiten älterer elektronischer Popmusik bis zu B-Movies und Cyberpunk. Das passt zusammen. Beide Welten erzählen von einer Wirklichkeit, die aus den Fugen geraten ist, von künstlichen Identitäten und einer Zukunft, die vielleicht schon längst begonnen hat.
Schon die frühe, selbstbetitelte EP von 2015 zeigte diese Richtung. Mit One Weird Trick (2018) entwickelte das Projekt seinen Sound weiter, bevor 2023 die Veröffentlichung A Shot in the Dark folgte. Das Album Trouble erschien 2024 und bündelt viele der Elemente, die GHOST COP ausmachen: dunkle Elektronik, Post-Punk-Energie und Songs, die sich nicht zwischen Tanzfläche und düsterem Kopfkino entscheiden müssen.
Trouble – wenn Dunkelheit hängen bleibt
Mit Trouble haben GHOST COP einen Sound geschaffen, der nicht allein von seiner Atmosphäre lebt. Die Songs besitzen Bewegung und einen gewissen popmusikalischen Zug, ohne die dunkle Grundstimmung aufzugeben. „Problems“ bringt diese Mischung auf den Punkt: ein treibender Track, der trotz seiner Energie von innerer Unruhe und zwischenmenschlichen Spannungen erzählt.
Auch „A Shot in the Dark“ zeigt, wie gut sich elektronische Kälte und melodische Spannung miteinander verbinden lassen. GHOST COP setzen nicht einfach auf möglichst düstere Oberflächen. Ihre Musik funktioniert gerade dann, wenn unter den Synthesizern und Beats etwas Menschliches durchscheint.
GHOST COP und die dunkle Szene
Für mich gehören GHOST COP zu jener Generation von Projekten, die Darkwave und Post-Punk nicht als historische Kostüme verstehen. Die alten Einflüsse sind hörbar, aber sie werden nicht einfach nachgebaut. Stattdessen entsteht daraus ein Sound, der ebenso gut in einen dunklen Club wie in den Abspann eines dystopischen Films passen würde.
Dabei bleibt das Duo offen für elektronische Popstrukturen, ohne sich in glatter Beliebigkeit zu verlieren. Wer Darkwave mit Synthpop, Cyberpunk und einer Prise Horrorfilm verbindet, findet hier genügend Material für die eigenen nächtlichen Gedanken.
Mein Einstieg
Wer GHOST COP kennenlernen möchte, sollte mit Trouble (2024) beginnen. Das Album vermittelt einen guten Eindruck davon, wie das Duo treibende elektronische Musik mit dunkler Atmosphäre und eingängigen Melodien verbindet. Danach lohnt sich der Blick zurück auf One Weird Trick (2018) und A Shot in the Dark (2023). Wer es noch etwas filmischer und kälter mag, sollte sich auch die selbstbetitelte EP von 2015 anhören.
GHOST COP liefern den Sound für eine Nacht, in der die Neonlichter flackern und die Stadt nicht ganz so schläft, wie sie sollte.
Dunkel, elektronisch und voller filmischer Spannung – GHOST COP machen aus der Nacht einen Ort, an dem man ruhig noch etwas länger bleiben kann.
Facebook:
https://www.facebook.com/ghostc0p
Bandcamp:
https://ghostcopnyc.bandcamp.com/
YouTube:
https://www.youtube.com/
GHOST COP
Darkwave, Post-Punk and Synthpop between urban dystopia and horror-movie atmosphere
When the Night Gets Its Own Soundtrack
Some music sounds as if it has fallen straight out of a forgotten movie from the eighties. Empty streets, flickering neon signs, strange figures lurking in the shadows, and somewhere in the distance, a machine that should have been switched off a long time ago. That's the kind of world GHOST COP from New York inhabit. The duo of Lucy Swope and Sean Dack combine Darkwave, Post-Punk and Synthpop with electronic coldness and the atmosphere of old horror and science-fiction films. But this isn't just about nostalgia. GHOST COP take familiar sounds and lead them into their own dark present.
Between Synthesizers and Shadows
GHOST COP work with driving beats, dark synthesizers and melodies that move somewhere between catchy and unsettling. At times, the sound feels cool and detached; at others, it becomes surprisingly anthemic. Add vocoders, electronic rhythms and a fondness for the slightly disturbing atmosphere of a good horror film, and you get music that doesn't need something jumping out of the shadows every five minutes to make its point.
What draws me to this sound is the combination of controlled electronics and a certain cinematic exaggeration. The music is allowed to feel big without becoming bombastic. It can make you dance, tell a story and leave you with an uneasy feeling all at once.
A World of B-Movies and Future Anxieties
GHOST COP draw inspiration from the darker corners of vintage electronic pop, B-movies and cyberpunk. It makes sense. All three deal with realities that have come apart at the seams, artificial identities and futures that may have already begun.
Their early self-titled EP, released in 2015, already pointed in this direction. With One Weird Trick (2018), the project continued to develop its sound, followed by A Shot in the Dark in 2023. The album Trouble, released in 2024, brings together many of the elements that define GHOST COP: dark electronics, Post-Punk energy and songs that refuse to choose between the dancefloor and a dark trip inside your own head.
Trouble – When the Darkness Stays With You
With Trouble, GHOST COP deliver a sound that doesn't rely on atmosphere alone. The songs have movement and a strong pop sensibility without abandoning their dark foundations. “Problems” captures this combination particularly well: a driving track that carries a sense of inner turmoil and relationship tension beneath its energy.
“A Shot in the Dark” also shows how effectively electronic coldness and melodic tension can work together. GHOST COP aren't simply interested in creating dark surfaces. Their music becomes most compelling when something human begins to show through the layers of synthesizers and beats.
GHOST COP and the Dark Music Scene
For me, GHOST COP belong to a generation of projects that don't treat Darkwave and Post-Punk as historical costumes. The influences are clearly there, but this isn't about simply recreating the past. Instead, the duo build a sound that could work just as well in a dark club as over the closing credits of a dystopian film.
They remain open to electronic pop structures without slipping into something polished and forgettable. If you like your Darkwave mixed with Synthpop, cyberpunk and a touch of horror-movie atmosphere, there's plenty here to get lost in during the small hours.
My Starting Point
If you're new to GHOST COP, start with Trouble (2024). It offers a good introduction to the duo's combination of driving electronic music, dark atmosphere and memorable melodies. From there, go back to One Weird Trick (2018) and A Shot in the Dark (2023). If you prefer things a little more cinematic and cold, their self-titled EP from 2015 is also worth exploring.
GHOST COP provide the soundtrack to a night when the neon lights are flickering and the city isn't quite as asleep as it should be.
Dark, electronic and full of cinematic tension – GHOST COP turn the night into a place where you might want to stay a little longer.
- Details
Sexual Purity – Zwischen Kälte, Druck und innerer Dunkelheit
Darkwave, Coldwave, EBM und Minimal Wave aus Chicago
Sexual Purity gehören für mich zu den Projekten, bei denen schon nach wenigen Sekunden klar wird, dass hier nicht einfach nur ein bestimmter Retro-Sound nachgebaut wird. Das Duo von Anastasiia Zeitmann und Oleksii Donets verbindet kalte elektronische Flächen, treibende EBM-Rhythmen und reduzierte Coldwave-Strukturen mit einer sehr eigenen, manchmal fast hypnotischen Atmosphäre. Entstanden ist Sexual Purity 2020 während des Lockdowns; die beiden sind ukrainischer Herkunft und leben heute in Chicago.
Was dabei besonders auffällt, ist die Spannung zwischen Härte und Verletzlichkeit. Die Musik kann körperlich und tanzbar sein, gleichzeitig wirken die Texte und Vocals oft dunkel, distanziert und persönlich. Genau diese Gegensätze gehören für mich zum Kern von Sexual Purity.
Zwischen Coldwave und EBM
Sexual Purity bewegen sich ziemlich frei zwischen verschiedenen Spielarten elektronischer Dunkelheit. Coldwave, Darkwave, EBM und Minimal Wave sind die naheliegenden Begriffe, aber die Band selbst legt sich nicht gerne auf Genregrenzen fest. In einem aktuellen Interview beschreibt das Duo seinen Entstehungsprozess vor allem über Rhythmus, Stimmung und Emotion.
Dabei beginnt vieles mit einem Rhythmus. Erst danach entwickelt sich der Rest des Stücks. Diese Arbeitsweise hört man auch. Die Beats haben Gewicht, ohne dass die Produktionen unnötig vollgestopft wirken. Sexual Purity setzen eher auf Reduktion. Jedes Element soll seinen Platz haben.
Das Ergebnis ist kalt, aber nicht steril.
Beautiful Scar of Society
Beautiful Scar of Society von 2021 gehört für mich zu den Veröffentlichungen, mit denen man sehr gut in die Welt von Sexual Purity einsteigen kann. Songs wie “Runaway”, “Alone” und “Decay” verbinden elektronische Kälte mit einer auffälligen emotionalen Schwere.
Die Vocals von Anastasiia Zeitmann tragen dabei viel zur Atmosphäre bei. Sie wirken nicht wie klassische Darkwave-Performance, sondern eher wie ein kontrollierter Blick in einen inneren Raum. Nichts wird unnötig übertrieben. Gerade dadurch bekommen die Songs ihre Wirkung.
Paranoia
Mit Paranoia, ebenfalls 2021 erschienen, wird die elektronische Seite noch deutlicher. “Convulsion”, “Chains” und “Never” zeigen diese Mischung aus treibendem Rhythmus, Minimalismus und düsterer Atmosphäre ziemlich gut. Auf dem Album sind Oleksii Donets für Musik, Mixing und Mastering sowie Anastasiia Zeitmann für Vocals, Lyrics und Artwork verantwortlich.
Hier entsteht für mich dieses typische Sexual-Purity-Gefühl: Musik, die gleichzeitig nach Tanzfläche und Isolation klingt.
Zwischen Ukraine und Chicago
Die ukrainische Herkunft ist dabei ein wichtiger Teil der Geschichte von Sexual Purity. Der Song “Khmary” von 2022 entstand ausdrücklich während des Krieges in der Ukraine. Die Band schrieb damals über die Erschöpfung der Menschen und darüber, dass sie ihre Heimat und ihre Mitmenschen unterstützen wollten.
Heute lebt das Duo in Chicago. Dieser Wechsel ist nicht einfach nur ein geografischer Ortswechsel. In einem aktuellen Interview sprechen Sexual Purity selbst darüber, wie stark die Erfahrungen der vergangenen Jahre ihre Musik verändert haben. Der Sound sei dadurch härter, angespannter und atmosphärisch schwerer geworden.
Ich finde, genau diese Spannung hört man ihrer Musik an, ohne dass sie daraus ein plakatives Statement machen muss.
Rhythmus statt Stillstand
Was mir an Sexual Purity besonders gefällt, ist die körperliche Seite der Musik. Trotz der oft dunklen Themen bleiben die Stücke tanzbar. EBM liefert den Druck, Coldwave die Kälte und Darkwave die Atmosphäre.
Und dann ist da diese Reduktion.
Keine riesigen Soundwände, sondern Beats, Synths, Stimme und genau so viel Verzerrung, wie nötig ist. Oleksii Donets nennt Verzerrung selbst einen wichtigen Bestandteil seines Sounds. Sie soll nicht einfach alles aggressiver machen, sondern Textur und Charakter erzeugen.
On The Edge
Das bisherige Album On The Edge erschien im Mai 2025. Auch hier bleibt Sexual Purity zwischen elektronischer Härte, dunkler Melodik und einer sehr eigenen, manchmal verstörenden Atmosphäre. Songs wie “Have You Ever Loved Me?”, “Opium” und “Fear” zeigen, wie weit das Duo seine Mischung inzwischen entwickelt hat.
Für mich klingt Sexual Purity hier weniger nach einer Rückkehr in irgendeine vergangene Szene und mehr nach einer Weiterentwicklung dessen, was Darkwave und EBM heute sein können.
Mein Einstieg
Ich würde mit Beautiful Scar of Society beginnen und danach Paranoia hören. “Runaway” zeigt die melodischere Seite, “Convulsion” und “Chains” die dunklere elektronische Richtung. Danach lohnt sich der Sprung zu On The Edge, um zu hören, wohin sich das Duo entwickelt hat.
Sexual Purity sind für mich genau diese Art von Projekt, die zwischen mehreren Szenen funktioniert, ohne sich einer davon vollständig unterzuordnen. Darkwave, EBM, Coldwave und Minimal Wave sind hier keine festen Grenzen, sondern Bausteine für etwas Eigenes.
Kalt, hypnotisch und voller innerer Spannung – Musik, die nicht aus der Dunkelheit herausführt, sondern tiefer hinein.
Facebook:
https://www.facebook.com/sxlpurity
Homepage:
https://sxlpurity.com/
Bandcamp:
https://sexualpurity.bandcamp.com/
YouTube:
https://www.youtube.com/@sexual_purity
Sexual Purity – Between Coldness, Pressure and Inner Darkness
Darkwave, Coldwave, EBM and Minimal Wave from Chicago
For me, Sexual Purity are one of those projects where it becomes clear within seconds that this isn't simply another attempt to recreate a particular retro sound. The duo of Anastasiia Zeitmann and Oleksii Donets combine cold electronic textures, driving EBM rhythms and stripped-down Coldwave structures with a very distinctive, sometimes almost hypnotic atmosphere. Sexual Purity emerged in 2020 during lockdown; both musicians are of Ukrainian origin and are now based in Chicago.
What stands out most is the tension between hardness and vulnerability. The music can be physical and danceable, while the lyrics and vocals often feel dark, distant and personal. Those contrasts are at the heart of Sexual Purity for me.
Between Coldwave and EBM
Sexual Purity move freely between different forms of electronic darkness. Coldwave, Darkwave, EBM and Minimal Wave are the obvious terms, but the duo doesn't seem particularly interested in strict genre boundaries. In interviews, they describe their creative process mainly through rhythm, atmosphere and emotion.
A lot begins with rhythm. Everything else develops from there. You can hear that approach in the music. The beats have weight without making the productions unnecessarily crowded. Sexual Purity rely more on reduction. Every element has its place.
The result is cold, but never sterile.
Beautiful Scar of Society
Beautiful Scar of Society from 2021 is one of the releases I would recommend as an entry point into the world of Sexual Purity. Tracks such as “Runaway”, “Alone” and “Decay” combine electronic coldness with a noticeable emotional heaviness.
Anastasiia Zeitmann's vocals contribute a lot to the atmosphere. They don't feel like a conventional Darkwave performance. They feel more like a controlled look into an inner space. Nothing is unnecessarily exaggerated. And precisely because of that, the songs have their impact.
Paranoia
With Paranoia, also released in 2021, the electronic side becomes even more apparent. “Convulsion”, “Chains” and “Never” show the combination of driving rhythm, minimalism and dark atmosphere particularly well. Oleksii Donets is responsible for the music, mixing and mastering, while Anastasiia Zeitmann handles vocals, lyrics and artwork.
This is where that typical Sexual Purity feeling emerges for me: music that sounds like both a dancefloor and isolation at the same time.
Between Ukraine and Chicago
The Ukrainian background is an important part of the Sexual Purity story. The 2022 track “Khmary” was written explicitly during the war in Ukraine. At the time, the band spoke about the exhaustion people were experiencing and their desire to support their homeland and the people around them.
Today the duo live in Chicago. This isn't simply a geographical change. In a recent interview, Sexual Purity themselves have spoken about how strongly the experiences of recent years have changed their music. The sound has become harder, more tense and atmospherically heavier.
I think you can hear that tension in their music without them having to turn it into an obvious statement.
Rhythm Instead of Stillness
What I particularly like about Sexual Purity is the physical side of their music. Despite the often dark themes, the tracks remain danceable. EBM provides the pressure, Coldwave the coldness and Darkwave the atmosphere.
And then there is the reduction.
No enormous walls of sound, just beats, synths, vocals and exactly as much distortion as necessary. Oleksii Donets has described distortion as an important part of his sound. It isn't simply there to make everything more aggressive, but to create texture and character.
On The Edge
The album On The Edge was released in May 2025. Here too, Sexual Purity remain somewhere between electronic heaviness, dark melody and a very distinctive, sometimes unsettling atmosphere. Tracks such as “Have You Ever Loved Me?”, “Opium” and “Fear” show how far the duo have developed their mixture.
For me, Sexual Purity sound less like a return to some past scene and more like a continuation of what Darkwave and EBM can be today.
My Starting Point
I would start with Beautiful Scar of Society and then move on to Paranoia. “Runaway” shows the more melodic side, while “Convulsion” and “Chains” explore the darker electronic direction. From there, move on to On The Edge to hear where the duo have taken their sound.
Sexual Purity are exactly the kind of project that can exist between several scenes without completely belonging to any of them. Darkwave, EBM, Coldwave and Minimal Wave aren't fixed boundaries here. They are building blocks for something of their own.
Cold, hypnotic and full of inner tension – music that doesn't lead you out of the darkness, but deeper into it.
- Details
Kurs Valüt – Dnipropop aus der Dunkelheit
EBM, Minimal Wave, Synthpop und Electro aus Dnipro
Kurs Valüt kommen aus Dnipro in der Ukraine und gehören für mich zu den interessanteren Projekten, wenn es um moderne elektronische Musik aus Osteuropa geht. Gegründet wurde das Projekt 2017 von Eugene Gordeev. Von Anfang an ging es darum, Minimal Wave in der Ukraine neu zu denken und daraus etwas Eigenes entstehen zu lassen. Das Ergebnis nennen Kurs Valüt selbst Dnipropop.
Und eigentlich passt dieser Begriff ziemlich gut. Denn Kurs Valüt sind nicht einfach EBM, nicht einfach Synthpop und auch nicht einfach Minimal Wave. Die Musik verbindet kalte elektronische Strukturen mit treibenden Beats, reduzierten Synths und einer ganz eigenen ukrainischen Sprache und Atmosphäre.
Zwischen Minimal Wave und EBM
Die Musik von Kurs Valüt lebt von Reduktion. Keine überladenen Arrangements, sondern Drum Machines, Synthesizer, elektronische Sequenzen und Vocals, die sich perfekt in diese kühle Klangwelt einfügen.
Gleichzeitig steckt darin deutlich mehr Bewegung, als man bei klassischem Minimal Wave vielleicht erwarten würde. EBM und Electro bringen den nötigen Druck, während Synthpop und sogar Italo-Disco-Elemente immer wieder für melodische Momente sorgen. Genau aus dieser Mischung entstand der Begriff Dnipropop.
Für mich ist das eine ziemlich interessante Kombination: kühl und tanzbar, reduziert und trotzdem voller Energie.
Veselo
Der erste große Schritt war Veselo, das 2018 erschien. Das Album versammelt neu arrangierte Versionen früherer Demo-Stücke und zeigt ziemlich deutlich, wie Kurs Valüt ihre eigene Klangsprache entwickelt haben.
Songs wie “Nomer”, “Pozyka”, “Intercity”, “Ni”, “Shkala” oder “Veselo” bewegen sich zwischen EBM, Synthpop, Electro und Minimal Wave. Das Label Pincet beschreibt die Musik passend als eine Mischung aus EBM und Synthpop und spricht von „spiritual aerobics“ und „industrial mysticism“.
Ich mag besonders, dass die Musik trotz ihrer elektronischen Kälte nicht steril wirkt. Da ist immer etwas Menschliches und leicht Unberechenbares zwischen den Maschinen.
Kurs Valüt
2021 erschien das zweite Album – schlicht Kurs Valüt genannt. Hier wurde der Sound im Vergleich zum Debüt melodischer und metaphorischer. Die Band beschreibt das Album als Ergebnis einer schwierigen Lebensphase, geprägt von Einsamkeit, Entbehrung und extremen Erfahrungen. Gleichzeitig wurde bei den Aufnahmen ein Röhren-Summierer eingesetzt, der dem ansonsten elektronischen Sound eine wärmere, bewusst nicht-glatte Textur geben sollte.
Tracks wie “Kurs Valüt”, “Rozklad Ruhu”, “Superintendant”, “Karantin” oder “Rivnovaga” zeigen diese Entwicklung ziemlich gut.
Die Musik bleibt tanzbar, aber sie wirkt gleichzeitig nachdenklicher. Weniger reine Maschinenenergie, mehr Atmosphäre.
Ukrainische Sprache, eigene Identität
Ein wichtiger Punkt bei Kurs Valüt ist die ukrainische Sprache. Die Texte sind nicht einfach englische Genreästhetik mit ukrainischem Akzent, sondern ein wesentlicher Teil der Identität des Projekts.
Dabei greifen die Texte unter anderem kulturelle Begriffe, mediale Sprache, gesellschaftliche Phänomene und Alltagssprache auf. Die Musik entsteht also nicht irgendwo im luftleeren Raum, sondern ist eng mit ihrem ukrainischen Umfeld verbunden.
Genau das macht Kurs Valüt für mich so interessant. Sie versuchen nicht, wie irgendeine westliche EBM-Band zu klingen. Sie nehmen bekannte elektronische Formen und setzen sie in einen eigenen kulturellen Kontext.
Musik für die Tanzfläche
Kurs Valüt verstehen ihre Musik ausdrücklich als Musik für die Tanzfläche. Das passt auch zum Ursprung des Projekts im Umfeld des Module Clubs in Dnipro. Die Energie entsteht nicht durch möglichst harte Sounds, sondern durch Rhythmus, Wiederholung und den hypnotischen Charakter der elektronischen Strukturen.
Und genau da funktioniert Kurs Valüt für mich besonders gut.
Das ist keine Musik, die unbedingt im Vordergrund stehen muss. Man kann sie einfach laufen lassen – und irgendwann merkt man, dass der Körper längst den Rhythmus übernommen hat.
Mein Einstieg
Ich würde mit Veselo anfangen und danach direkt zum Album Kurs Valüt wechseln. Bei den einzelnen Tracks sind “Intercity”, “Ni”, “Shkala” und “Veselo” gute Einstiegspunkte. Wer es etwas melodischer und atmosphärischer mag, sollte sich anschließend durch das zweite Album hören.
Für mich sind Kurs Valüt ein gutes Beispiel dafür, wie lebendig elektronische Musik außerhalb der bekannten Zentren sein kann. Minimal Wave, EBM, Synthpop und Electro sind hier keine historischen Schubladen, sondern Material, aus dem etwas Eigenes entstanden ist.
Kalt, tanzbar und eindeutig aus einer eigenen Welt – Dnipropop eben.
Facebook:
https://www.facebook.com/kursvalutband
YouTube:
https://www.youtube.com/@kursvalutband
Bandcamp:
https://pincet.bandcamp.com/album/veselo
Kurs Valüt – Dnipropop from the Darkness
EBM, Minimal Wave, Synthpop and Electro from Dnipro
Kurs Valüt come from Dnipro, Ukraine, and for me they are one of the more interesting projects when it comes to modern electronic music from Eastern Europe. The project was founded in 2017 by Eugene Gordeev. From the beginning, the idea was to rethink Minimal Wave in Ukraine and turn it into something of their own. Kurs Valüt call the result Dnipropop.
And honestly, the term fits pretty well. Kurs Valüt aren't simply EBM, not simply Synthpop and not simply Minimal Wave. Their music combines cold electronic structures with driving beats, stripped-down synths and a very distinctive Ukrainian language and atmosphere.
Between Minimal Wave and EBM
The music of Kurs Valüt lives from reduction. No overloaded arrangements, just drum machines, synthesizers, electronic sequences and vocals that fit perfectly into this cold sonic environment.
At the same time, there is much more movement here than you might expect from classic Minimal Wave. EBM and Electro provide the necessary pressure, while Synthpop and even elements of Italo Disco bring in melodic moments. This combination is exactly where the term Dnipropop comes from.
For me, it is a pretty interesting mixture: cold and danceable, reduced and still full of energy.
Veselo
The first major step was Veselo, released in 2018. The album collects newly arranged versions of earlier demo material and shows quite clearly how Kurs Valüt developed their own musical language.
Tracks such as “Nomer”, “Pozyka”, “Intercity”, “Ni”, “Shkala” and “Veselo” move between EBM, Synthpop, Electro and Minimal Wave. The label Pincet describes the music as a mixture of EBM and Synthpop and uses the phrases “spiritual aerobics” and “industrial mysticism”.
What I particularly like is that the music never feels completely sterile despite its electronic coldness. There is always something human and slightly unpredictable hiding between the machines.
Kurs Valüt
In 2021, the second album appeared, simply titled Kurs Valüt. Compared with the debut, the sound became more melodic and metaphorical. The band describes the album as the result of a difficult period shaped by loneliness, deprivation and extreme experiences. During the recording, a tube summing unit was also used, giving the otherwise electronic sound a warmer, deliberately imperfect texture.
Tracks such as “Kurs Valüt”, “Rozklad Ruhu”, “Superintendant”, “Karantin” and “Rivnovaga” show this development particularly well.
The music remains danceable, but it also feels more reflective. Less pure machine energy, more atmosphere.
Ukrainian Language, Own Identity
An important part of Kurs Valüt is the Ukrainian language. The lyrics aren't simply Western genre aesthetics translated into Ukrainian. They are a central part of the project's identity.
The lyrics touch on cultural references, media language, social phenomena and everyday speech. The music therefore doesn't exist in a vacuum. It is closely connected to its Ukrainian surroundings.
That is exactly what makes Kurs Valüt so interesting to me. They aren't trying to sound like just another Western EBM band. They take familiar electronic forms and place them into their own cultural context.
Music for the Dancefloor
Kurs Valüt explicitly see their music as dancefloor music. That also fits the project's origins around Module Club in Dnipro. The energy doesn't come from simply making everything as hard as possible. It comes from rhythm, repetition and the hypnotic character of the electronic structures.
And that's where Kurs Valüt work particularly well for me.
This isn't music that necessarily needs to dominate the room. You can simply let it play – and at some point you realize that your body has already taken over the rhythm.
My Starting Point
I would start with Veselo and then move straight on to the album Kurs Valüt. Among the individual tracks, “Intercity”, “Ni”, “Shkala” and “Veselo” are good entry points. If you prefer something more melodic and atmospheric, continue with the second album.
For me, Kurs Valüt are a good example of how alive electronic music can be outside the usual centers. Minimal Wave, EBM, Synthpop and Electro aren't historical boxes here. They are raw material for creating something of their own.
Cold, danceable and unmistakably from its own world – Dnipropop.
