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- 2026-09-21 16:52:13
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Agent Side Grinder
Agent Side Grinder aus Schweden gehören für mich zu den Bands, die eindrucksvoll zeigen, wie man Post-Punk, Industrial, Minimal Wave und elektronische Musik miteinander verbinden kann, ohne dabei ihren eigenen Charakter zu verlieren. Seit ihrer Gründung 2005 in Stockholm hat sich die Band immer wieder weiterentwickelt und dabei einen Sound geschaffen, der gleichzeitig kalt, treibend, melancholisch und unglaublich atmosphärisch sein kann.
Im Mittelpunkt steht eine Mischung aus analogen und elektronischen Klängen. Synthesizer, Sequencer und elektronische Rhythmen treffen auf Bass, Gitarren und teilweise sehr ungewöhnliche Klangquellen. Dazu kommt der markante Gesang, der der Musik eine zusätzliche, fast schon theatralische Intensität verleiht.
Gerade diese Verbindung aus kalter Elektronik und menschlicher Emotionalität macht Agent Side Grinder für mich so interessant. Die Musik kann distanziert und mechanisch wirken, gleichzeitig aber immer wieder sehr emotional und intensiv werden.
Die frühen Veröffentlichungen der Band waren stark von Post-Punk, Industrial und Minimal Synth geprägt. Mit den Jahren entwickelte sich daraus ein immer eigenständigerer Sound. Dabei haben Agent Side Grinder nie versucht, einfach nur einen bestimmten Retro-Stil zu reproduzieren. Vielmehr wurden die Einflüsse aus der Vergangenheit genommen und mit moderner elektronischer Produktion verbunden.
Alben wie „The Transcendence“, „Hardware“ und „Alkimia“ zeigen diese Entwicklung sehr deutlich. Besonders „Hardware“ von 2017 gehört für mich zu den Veröffentlichungen, mit denen die Band ihren charakteristischen Sound weiter gefestigt hat.
Mit „A/X“ folgte 2019 ein weiteres wichtiges Album. Hier wurde die elektronische Seite noch stärker ausgebaut, während die dunkle und melancholische Grundstimmung erhalten blieb. Der Sound wirkt teilweise sehr reduziert, gleichzeitig aber enorm druckvoll.
Ein weiterer wichtiger Schritt war „Jack Vegas“ aus dem Jahr 2023. Für mich zeigt dieses Album sehr schön, wie weit sich Agent Side Grinder inzwischen von ihren frühen Wurzeln entfernt haben, ohne diese komplett hinter sich zu lassen.
Die Musik wirkt moderner und teilweise sogar tanzbarer, bleibt aber gleichzeitig dunkel und eigenwillig. Synthesizer und elektronische Sequenzen stehen stärker im Vordergrund, während Bass und Percussion für einen treibenden Untergrund sorgen.
Was ich bei Agent Side Grinder besonders mag, ist die Atmosphäre. Die Songs haben oft etwas nächtliches, urbanes und leicht dystopisches. Man kann sich die Musik genauso gut in einem dunklen Club wie auf dem Soundtrack eines futuristischen Films vorstellen.
Dabei geht es nicht nur um elektronische Sounds. Gerade die analogen Instrumente und die teilweise rauen Klangstrukturen verhindern, dass die Musik zu glatt produziert wirkt. Dadurch behalten die Songs eine gewisse Rohheit und Direktheit.
Auch live sind Agent Side Grinder für mich eine interessante Band. Die Kombination aus elektronischen Geräten, Instrumenten und einer sehr eigenen visuellen Ästhetik macht die Auftritte zu mehr als einem normalen Konzert. Die Musik funktioniert dabei sowohl auf der Bühne als auch auf der Tanzfläche.
Was ich an der Band besonders schätze, ist ihre Fähigkeit, Dunkelheit und Bewegung miteinander zu verbinden. Agent Side Grinder können melancholisch und kalt klingen, aber gleichzeitig besitzen viele Songs einen starken rhythmischen Sog.
Für mich gehören sie deshalb zu den spannenderen schwedischen Acts zwischen Post-Punk, Industrial, Darkwave und elektronischer Musik. Sie verbinden die Atmosphäre der frühen elektronischen und post-punkigen Underground-Szene mit modernen Sounds und schaffen daraus etwas, das eindeutig nach Agent Side Grinder klingt.
Agent Side Grinder stehen für dunkle elektronische Musik aus Schweden – kalt, hypnotisch, melancholisch und treibend. Eine Mischung aus Post-Punk, Industrial, Minimal Wave und Darkwave, die gleichzeitig retro und modern wirkt und besonders dann funktioniert, wenn man sich einfach von den Beats und den düsteren Klanglandschaften treiben lässt.
Facebook:
https://www.facebook.com/agentsidegrinder
Bandcamp:
https://agentsidegrinder.bandcamp.com/
Instagram:
https://www.instagram.com/agentsidegrinder
YouTube:
https://www.youtube.com/@agentsidegrinder
Agent Side Grinder – Band Profile
Agent Side Grinder from Sweden are one of those bands for me that show just how well Post-Punk, Industrial, Minimal Wave, and electronic music can work together without losing their own identity. Since forming in Stockholm in 2005, the band has continued to evolve while creating a sound that can be cold, driving, melancholic, and incredibly atmospheric at the same time.
What stands out to me is the combination of analogue and electronic sounds. Synthesizers, sequencers, and electronic rhythms meet bass, guitars, and sometimes rather unusual sources of sound. On top of this comes a distinctive vocal style that gives the music an additional, almost theatrical intensity.
This combination of cold electronics and human emotion is what makes Agent Side Grinder particularly interesting to me. The music can feel distant and mechanical, but at the same time it can become surprisingly emotional and intense.
The band's early releases were strongly influenced by Post-Punk, Industrial, and Minimal Synth. Over the years, these influences developed into a much more individual sound. Agent Side Grinder have never simply tried to recreate a particular retro style. Instead, they take elements from the past and combine them with modern electronic production.
Albums such as The Transcendence, Hardware, and Alkimia show this development quite clearly. For me, Hardware from 2017 is one of the releases where the band really strengthened its characteristic sound.
With A/X, released in 2019, the electronic side became even more prominent while the band's dark and melancholic atmosphere remained intact. The sound can be quite minimal at times, but still feels extremely powerful.
Another important step came with Jack Vegas in 2023. For me, this album shows just how far Agent Side Grinder have developed from their early roots without completely abandoning them.
The music feels more modern and, in places, even more danceable, while still remaining dark and distinctive. Synthesizers and electronic sequences are more prominent, with bass and percussion providing a driving foundation.
What I particularly like about Agent Side Grinder is their atmosphere. Their songs often feel nocturnal, urban, and slightly dystopian. I can easily imagine this music playing in a dark club as well as being part of the soundtrack to some futuristic film.
At the same time, it is not only about electronic sounds. The analogue instruments and sometimes rougher textures keep the production from becoming too polished. This gives the songs a certain rawness and directness.
I also find Agent Side Grinder particularly interesting as a live band. The combination of electronic equipment, instruments, and their distinctive visual aesthetic makes the performances feel like more than just a standard concert. The music works equally well on stage and on the dancefloor.
What I appreciate most about the band is their ability to combine darkness and movement. Agent Side Grinder can sound melancholic and cold, but many of their tracks also have a strong rhythmic pull that makes it difficult to stand still.
For me, they are therefore one of the more interesting Swedish acts somewhere between Post-Punk, Industrial, Darkwave, and electronic music. They combine the atmosphere of early electronic and Post-Punk underground music with modern production and turn it into something that unmistakably sounds like Agent Side Grinder.
Agent Side Grinder stand for dark electronic music from Sweden — cold, hypnotic, melancholic, and driving. A combination of Post-Punk, Industrial, Minimal Wave, and Darkwave that feels both retro and modern, especially when you simply let yourself get carried away by the beats and the dark soundscapes.
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LOWSUNDAY
LOWSUNDAY aus Pittsburgh, Pennsylvania sind für mich eine dieser Bands, bei denen man sofort merkt, dass hier nicht einfach versucht wird, irgendeinen aktuellen Sound zu kopieren. Die Wurzeln der Band reichen bis in die 1990er-Jahre zurück, musikalisch bewegen sie sich zwischen Post-Punk, Shoegaze, Darkwave und Dreampop.
Gegründet wurde die Band 1994 zunächst unter dem Namen Low Sunday Ghost Machine. Im Mittelpunkt steht Shane Sahene, der als Sänger und Gitarrist den Sound von LOWSUNDAY entscheidend prägt. Zwei Jahre später erschien das selbstbetitelte Debüt, bevor die Band ihren Namen schließlich auf LOWSUNDAY verkürzte.
Was mir an LOWSUNDAY besonders gefällt, ist diese Mischung aus dunklen Gitarren, melancholischen Melodien und einer teilweise fast schwebenden Atmosphäre. Die Musik besitzt eine gewisse Schwere, ohne dabei überladen zu wirken. Gleichzeitig haben die Songs genug Melodie, um nicht einfach nur in einer Wand aus Gitarren und Effekten unterzugehen.
Die musikalischen Einflüsse von The Sound, Bauhaus, The Chameleons und Echo & the Bunnymen sind durchaus zu erkennen. Trotzdem klingt LOWSUNDAY nicht wie eine Kopie dieser Bands. Vielmehr wurden verschiedene Elemente aus Post-Punk, Gothic und Alternative miteinander verbunden und daraus ein eigener Sound entwickelt.
Ein wichtiger Punkt in der frühen Geschichte der Band war „Elesgiem“, das ursprünglich 1999 erschien. Für mich ist dieses Album eine sehr gute Möglichkeit, die damalige musikalische Welt von LOWSUNDAY kennenzulernen. Dunkle Gitarren, atmosphärische Klangflächen und die melancholischen Vocals ergeben eine Mischung, die auch heute noch funktioniert.
Danach wurde es zunächst ruhiger um die Band. LOWSUNDAY legten eine längere Pause ein und verschwanden weitgehend aus dem aktiven Musikgeschehen. Umso interessanter finde ich, was später passiert ist.
2024 wurde „Elesgiem“ als Remaster neu veröffentlicht. 2025 folgte dann auch eine überarbeitete Version des Debütalbums „Low Sunday Ghost Machine“. Damit wurde nicht nur älteres Material wieder zugänglich gemacht, sondern gleichzeitig die Geschichte von LOWSUNDAY neu aufgearbeitet.
Noch interessanter wurde es für mich mit der White EP aus dem Jahr 2025. Nach einer sehr langen Pause gab es damit wieder neues Material. Dabei versucht die Band nicht, einfach den Sound der 1990er zu reproduzieren. Die alten Einflüsse sind weiterhin vorhanden, werden aber mit einer moderneren Produktion und neuen Ideen verbunden.
Songs wie „Nevver“, „You Lost Yourself“ und „Love Language“ zeigen diese Entwicklung ziemlich gut. Die Musik klingt vertraut und gleichzeitig frisch. Genau diese Verbindung zwischen Vergangenheit und Gegenwart gefällt mir dabei besonders.
2026 folgte mit der Black EP die deutlich dunklere Seite dieses neuen Kapitels. Die Songs „You're So Wired“, „Shattered“, „Someone To Talk To“, „This Is Not Heaven“ und „Don't Want To Dream Again“ wirken intensiver und beschäftigen sich stärker mit Isolation, inneren Konflikten und dunkleren Gedanken.
Während die White EP für mich etwas offener und heller wirkt, geht die Black EP deutlich tiefer in die dunkle Atmosphäre. Gitarren, Rhythmus und Synthesizer greifen ineinander und erzeugen einen Sound, der gleichzeitig vertraut und modern wirkt.
Was ich bei LOWSUNDAY besonders interessant finde, ist, dass die Band trotz aller Shoegaze- und Darkwave-Elemente immer großen Wert auf Melodie und Songwriting legt. Die Musik muss nicht möglichst kompliziert oder extrem sein. Gerade die Atmosphäre und die kleinen Details machen die Songs interessant.
Für mich ist LOWSUNDAY deshalb auch ein gutes Beispiel dafür, dass Musik aus den 1990er-Jahren nicht automatisch alt klingen muss. Die Band hat ihre Wurzeln klar in dieser Zeit, aber die aktuellen Veröffentlichungen wirken keineswegs wie reine Nostalgie.
Im Gegenteil: LOWSUNDAY nehmen ihre eigene Geschichte und entwickeln sie weiter. Das macht die Rückkehr für mich wesentlich interessanter, als wenn einfach nur versucht worden wäre, einen alten Sound wieder aufzuwärmen.
Was mir dabei besonders gefällt, ist diese Mischung aus Melancholie, Atmosphäre und Gitarren. Es gibt eine gewisse Dunkelheit, aber gleichzeitig immer wieder sehr schöne und eingängige Momente. Genau diese Balance macht den Sound für mich aus.
LOWSUNDAY stehen für atmosphärischen Darkwave zwischen Post-Punk, Shoegaze und Dreampop – melancholisch, dunkel, verträumt und melodisch. Eine Band mit Wurzeln in den 1990ern, die nach langer Pause zurückgekehrt ist und dabei zeigt, dass ihr Sound auch heute noch funktioniert.
Facebook:
https://www.facebook.com/
'Someone To Talk To' video
https://youtu.be/E6hZds13_h8
Spotify
https://open.spotify.com/
'Low Sunday Ghost Machine - Black EP'
https://projektrecords.bandcamp.com/
'Low Sunday Ghost Machine - White EP'
https://projektrecords.bandcamp.com/
'You're So Wired' video
https://youtu.be/JeRAl96nWm8
'This is Not Heaven' video
https://youtu.be/CX-zD_tTsDM
'Nevver' video
https://youtu.be/yjc8o5fccNU
'Soft Capture' video
https://youtu.be/i_5UeD04mlk
'Love Language' video
https://youtu.be/9ytV47-jnPQ
Spotify
https://open.spotify.com/
Apple Music
https://music.apple.com/
LOWSUNDAY – Band Profile
LOWSUNDAY from Pittsburgh, Pennsylvania, are one of those bands for me where you can immediately tell that they are not simply trying to copy whatever happens to be popular at the moment. Their roots go back to the 1990s, while their music moves somewhere between Post-Punk, Shoegaze, Darkwave, and Dream Pop.
The band was originally formed in 1994 under the name Low Sunday Ghost Machine. At the center of the project is Shane Sahene, whose vocals and guitar work have played a major role in shaping the LOWSUNDAY sound. The self-titled debut followed in 1996 before the band eventually shortened its name to LOWSUNDAY.
What I particularly like about LOWSUNDAY is the combination of dark guitars, melancholic melodies, and an atmosphere that can feel almost weightless at times. There is a certain heaviness to the music, but it never feels overloaded. At the same time, the songs have enough melody to avoid disappearing into a wall of guitars and effects.
The influence of bands such as The Sound, Bauhaus, The Chameleons, and Echo & the Bunnymen can certainly be heard. But LOWSUNDAY do not sound like a copy of any of them. Instead, they take elements from Post-Punk, Gothic, and Alternative and turn them into something of their own.
An important part of the band's early history was Elesgiem, originally released in 1999. For me, the album is a great way to discover the musical world of LOWSUNDAY from that period. Dark guitars, atmospheric textures, and melancholic vocals come together in a way that still works today.
After that, things became quieter for a while. LOWSUNDAY took an extended break and largely disappeared from the active music scene. That makes their later return even more interesting to me.
In 2024, Elesgiem was reissued as a remastered edition. In 2025, the debut album Low Sunday Ghost Machine also received a new remastered release. This not only made the older material available again, but also gave the band's early history a new context.
The White EP, released in 2025, made things even more interesting for me. After such a long break, LOWSUNDAY returned with new material. Instead of simply trying to recreate the sound of the 1990s, the band combines its old influences with a more modern production and new ideas.
Tracks such as “Nevver,” “You Lost Yourself,” and “Love Language” show this development quite well. The music feels familiar while still sounding fresh. I particularly like this connection between the band's past and present.
In 2026, the Black EP followed, representing the much darker side of this new chapter. Tracks such as “You're So Wired,” “Shattered,” “Someone To Talk To,” “This Is Not Heaven,” and “Don't Want To Dream Again” feel more intense and explore themes of isolation, inner conflict, and darker emotions.
While the White EP feels somewhat more open and brighter to me, the Black EP goes much deeper into the darker atmosphere. Guitars, rhythm, and synthesizers work together to create a sound that feels both familiar and contemporary.
What I find particularly interesting about LOWSUNDAY is that despite all the Shoegaze and Darkwave elements, the band still puts a lot of emphasis on melody and songwriting. The music does not have to be complicated or extreme. It is the atmosphere and the small details that make the songs interesting.
For me, LOWSUNDAY are also a good example of how music from the 1990s does not automatically have to sound dated. The band's roots are clearly connected to that period, but the current releases do not feel like pure nostalgia.
Instead, LOWSUNDAY take their own history and continue to develop it. That makes their return much more interesting to me than simply trying to recreate an old sound.
What I particularly like is this combination of melancholy, atmosphere, and guitars. There is a certain darkness running through the music, but there are always beautiful and catchy moments as well. That balance is what makes LOWSUNDAY stand out to me.
LOWSUNDAY stand for atmospheric Darkwave somewhere between Post-Punk, Shoegaze, and Dream Pop — melancholic, dark, dreamy, and melodic. A band with roots in the 1990s that has returned after a long break and shows that their sound still works remarkably well today.
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Zabriskie
Zabriskie aus Zürich sind für mich eine dieser Bands, bei denen man nicht einfach nur einen Song hört, sondern ziemlich schnell in eine eigene Atmosphäre hineingezogen wird. Musikalisch bewegen sie sich zwischen Shoegaze, Dreampop, Psychedelic Rock und Post-Rock und verbinden dabei verträumte Gitarren mit melancholischen Melodien und einer sehr dichten Atmosphäre.
Im Mittelpunkt steht Alex Herter, der für Gesang, Gitarre und Synthesizer verantwortlich ist. Dazu kommen Andreas Vischer am Bass und Andy Hofstetter am Schlagzeug. Obwohl Zabriskie als Trio unterwegs sind, entsteht dabei ein erstaunlich voller und teilweise sehr weitläufiger Sound.
Die Geschichte der Band reicht dabei schon einige Jahre zurück. Alex Herter und Andreas Vischer kennen sich bereits aus früheren musikalischen Zeiten und spielten schon in den 1990er-Jahren gemeinsam in einer Grunge-Band. Mit Andy Hofstetter entwickelte sich später die heutige Besetzung von Zabriskie.
Was mir an Zabriskie besonders gefällt, ist der Umgang mit Gitarren. Hier geht es nicht darum, einfach möglichst laut zu werden. Vielmehr werden Hall, Delay und unterschiedliche Klangschichten eingesetzt, um eine Atmosphäre aufzubauen. Die Gitarren können dabei gleichzeitig warm, verträumt und melancholisch wirken.
Dazu kommen Bass und Schlagzeug, die den Songs den notwendigen Boden geben. Gerade diese Kombination finde ich spannend: Auf der einen Seite schweben die Gitarren und Vocals durch den Raum, auf der anderen Seite sorgt die Rhythmusgruppe dafür, dass die Musik niemals komplett abhebt.
Musikalisch sind die Wurzeln ganz klar im Shoegaze und Dreampop zu finden. Gleichzeitig gibt es immer wieder Elemente aus Post-Rock, Psychedelic Rock und Singer-Songwriting. Dadurch bleiben die Songs trotz der teilweise sehr großen Klangflächen immer nachvollziehbar und emotional.
2023 erschien das Album „Darklight“. Der Titel passt meiner Meinung nach ziemlich gut zu der Musik von Zabriskie. Licht und Dunkelheit liegen hier sehr nah beieinander. Inhaltlich geht es unter anderem um Angst, Selbstzweifel und Verlangen, während die Musik diese Themen mit einer eher träumerischen und melancholischen Atmosphäre verbindet.
2025 folgte die EP „All Things Become Light“. Für mich zeigt diese Veröffentlichung sehr gut, wie Zabriskie ihren eigenen Sound weiterentwickelt haben. Shoegaze trifft auf Dreampop und psychedelische Gitarren, während Bass und Schlagzeug für einen teilweise überraschend kraftvollen Unterbau sorgen.
Songs wie „Changes“, „Twilight“ und „Just For Now“ zeigen unterschiedliche Facetten der Band. Später kamen mit „South Pacific“ und „Once“ weitere Stücke hinzu, die diese musikalische Entwicklung fortsetzen.
2026 ging es mit der EP „Ghosts In Time“ weiter. Für mich klingt das nach einer konsequenten Weiterentwicklung des bisherigen Zabriskie-Sounds. Die Musik bleibt atmosphärisch und verträumt, wirkt gleichzeitig aber noch etwas weitläufiger und intensiver.
Besonders interessant finde ich dabei, dass die Stimme nicht unbedingt immer im Vordergrund stehen muss. Sie fügt sich teilweise regelrecht in die Instrumentierung ein und wird zu einem weiteren Bestandteil dieser Klanglandschaft. Genau dadurch entsteht diese leicht entrückte Wirkung, die für mich sehr gut zu Shoegaze passt.
Auch live dürfte diese Musik besonders gut funktionieren. Die Songs leben von Dynamik und Atmosphäre und können sich langsam aufbauen, bevor Gitarren und Rhythmus plötzlich deutlich intensiver werden. Gerade diese Wechsel zwischen Ruhe und Energie machen Zabriskie interessant.
Was ich an der Band besonders mag, ist die Melancholie ohne Schwermut. Zabriskie können durchaus dunkel und nachdenklich klingen, aber die Musik wirkt dabei nicht hoffnungslos. Immer wieder gibt es diese warmen und fast schwebenden Momente, die einen Gegenpol zur Dunkelheit bilden.
Für mich sind Zabriskie deshalb ein gutes Beispiel dafür, wie vielseitig moderner Shoegaze sein kann. Die Band orientiert sich zwar an den klassischen Zutaten des Genres, versucht aber nicht, einfach den Sound der Vergangenheit zu kopieren. Stattdessen entsteht eine eigene Mischung aus Gitarren, Atmosphäre, Psychedelic und emotionalem Songwriting.
Zabriskie stehen für atmosphärischen Shoegaze aus Zürich – verträumt, melancholisch, psychedelisch und gleichzeitig kraftvoll. Musik zwischen Shoegaze, Dreampop, Post-Rock und Psychedelic Rock, mit verhallten Gitarren, tiefem Bass und einer ganz eigenen Atmosphäre, in der man sich gerne ein wenig verlieren kann.
Soundcloud:
https://soundcloud.com/zabriskieband
Facebook:
https://www.facebook.com/Zabriskieband
Bandcamp:
https://zabriskie2.bandcamp.com/
Homepage:
https://www.zabriskieband.com/
YouTube:
https://www.youtube.com/@zabriskieband3881
Instagram:
https://www.instagram.com/zabriskie_band
Zabriskie – Band Profile
Zabriskie from Zurich, Switzerland, are one of those bands for me where you do not simply listen to a song, but quickly find yourself drawn into their own atmosphere. Musically, they move between Shoegaze, Dream Pop, Psychedelic Rock, and Post-Rock, combining dreamy guitars with melancholic melodies and a very dense, atmospheric sound.
At the center of the band is Alex Herter, responsible for vocals, guitar, and synthesizers. He is joined by Andreas Vischer on bass and Andy Hofstetter on drums. Even though Zabriskie are a trio, they create a surprisingly full and spacious sound.
The band's history goes back quite a few years. Alex Herter and Andreas Vischer already knew each other from earlier musical projects and played together in a grunge band back in the 1990s. Andy Hofstetter later became part of the lineup that developed into today's Zabriskie.
What I particularly like about Zabriskie is the way they use guitars. It is not simply about becoming as loud as possible. Instead, reverb, delay, and different layers are used to build an atmosphere. The guitars can sound warm, dreamy, melancholic, and sometimes almost otherworldly.
The bass and drums provide the necessary foundation. I find this combination especially interesting: on one side, the guitars and vocals seem to float through the space, while on the other, the rhythm section keeps everything grounded.
The band's roots are clearly in Shoegaze and Dream Pop, but there are also elements of Post-Rock, Psychedelic Rock, and Singer-Songwriter music. This gives the songs a strong emotional character while allowing plenty of room for expansive soundscapes.
In 2023, the album Darklight was released. For me, the title fits Zabriskie's music very well. Light and darkness are constantly close together. The album deals with themes such as fear, self-doubt, and desire, while the music surrounds these subjects with a dreamy and melancholic atmosphere.
The EP All Things Become Light followed in 2025. For me, this release shows very clearly how Zabriskie have continued to develop their own sound. Shoegaze meets Dream Pop and psychedelic guitars, while bass and drums provide a surprisingly powerful foundation.
Tracks such as “Changes,” “Twilight,” and “Just For Now” reveal different sides of the band. Later, “South Pacific” and “Once” continued this musical development.
In 2026, the band continued with the EP Ghosts In Time. For me, it feels like a natural progression of the Zabriskie sound. The music remains atmospheric and dreamy, but at the same time feels even more spacious and intense.
I particularly like the fact that the vocals do not always have to be right in the foreground. At times, they almost become part of the instrumentation itself, blending into the overall soundscape. This creates that slightly detached and dreamlike feeling that works so well with Shoegaze.
I can also imagine this music working particularly well live. The songs have plenty of room for dynamics and atmosphere, slowly building before the guitars and rhythm section suddenly become much more intense. These changes between quiet and powerful moments are an important part of what makes Zabriskie interesting to me.
What I particularly like about the band is their melancholy without complete darkness. Zabriskie can sound dark and reflective, but the music never feels hopeless. There are always warmer and almost floating moments that provide a contrast to the darker side.
For me, Zabriskie are a good example of how diverse modern Shoegaze can be. The band clearly embraces the classic ingredients of the genre, but they are not simply trying to recreate the sound of the past. Instead, they have developed their own combination of guitars, atmosphere, psychedelia, and emotional songwriting.
Zabriskie stand for atmospheric Shoegaze from Zurich — dreamy, melancholic, psychedelic, and powerful at the same time. Music somewhere between Shoegaze, Dream Pop, Post-Rock, and Psychedelic Rock, with reverberated guitars, deep bass, and an atmosphere of their own — the kind of sound you can easily get lost in.
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eXcubitors
eXcubitors aus Marburg gehören für mich zu den interessanteren deutschen Projekten zwischen Synthpop, Darkwave, Futurepop und elektronischer Musik. Was mir dabei besonders gefällt, ist die Mischung aus eingängigen Melodien, treibenden Beats und einer teilweise sehr atmosphärischen, fast cineastischen Klangwelt.
Gegründet wurden eXcubitors 2006 von den Brüdern Sascha, Stephan und Thomas Viereck. Schon früh war zu erkennen, dass die Band nicht einfach klassischen Synthpop machen wollte. Elektronische Sounds und Synthesizer bilden zwar die Grundlage, gleichzeitig werden diese aber immer wieder mit dunkleren und atmosphärischen Elementen verbunden.
Zu den musikalischen Einflüssen gehören unter anderem Depeche Mode, Kraftwerk und Tears for Fears, aber auch elektronische Musik und Filmmusik. Gerade diese Verbindung finde ich bei eXcubitors interessant. Die Songs können durchaus auf die Tanzfläche gehören, haben aber gleichzeitig eine Atmosphäre, die weit über einen typischen Clubtrack hinausgeht.
Das erste Album „Auferstehung aus Ruinen“ erschien 2007. Mit „Operation Observation“ folgte 2009 das zweite Album. Bereits hier entwickelte die Band ihren eigenen Stil weiter und verband elektronische Melodien mit teilweise nachdenklichen und gesellschaftlich geprägten Themen.
Nach einer längeren Pause meldeten sich eXcubitors 2014 mit „Wächter“ zurück. Der Titel passt dabei ziemlich gut zur Band, denn der Name „eXcubitor“ stammt aus dem Lateinischen und bedeutet sinngemäß „Wächter“. Auch inhaltlich beschäftigt sich die Band immer wieder mit gesellschaftlichen Entwicklungen, menschlichem Verhalten und persönlichen Erfahrungen.
2016 kam Ronny Strehmann zur Band und übernahm neben Stephan Viereck teilweise den Gesang. Gleichzeitig war er auch im Bereich Videoproduktion aktiv. Diese Besetzung bestand einige Jahre, bevor Strehmann die Band 2019 wieder verließ.
Mit „Another Dimension“ erschien 2021 das fünfte Studioalbum. Für mich war das ein wichtiger Schritt in der Entwicklung von eXcubitors. Die Bezeichnung „Cinematic Synthpop“, die die Band für ihren Stil verwendet, beschreibt die Musik meiner Meinung nach ziemlich gut.
Synthpop bildet weiterhin die Basis, wird aber um weitläufige elektronische Flächen, atmosphärische Sounds und teilweise fast filmische Momente erweitert. Dadurch entsteht ein Sound, der gleichzeitig modern, melancholisch und tanzbar sein kann.
Songs wie „Stranger“ zeigen diese Mischung besonders gut. Eingängige Melodien treffen auf elektronische Beats und eine dunklere Atmosphäre. Gleichzeitig beschäftigen sich die Texte immer wieder mit Themen, die über typische Liebes- oder Clubgeschichten hinausgehen.
Ende 2023 kam Heiko Schwab zur Band. Seitdem ist er unter anderem als Co-Produzent tätig und unterstützt eXcubitors live an den Keyboards. Damit wurde die aktuelle Besetzung noch einmal musikalisch erweitert.
In dieser Phase begann auch eine neue und sehr aktive Live-Zeit für die Band. Songs wie „This Is the Way“ und „United“ entwickelten sich zu wichtigen Stücken des aktuellen Programms. Besonders „United“ zeigt eine etwas positivere und gemeinschaftlichere Seite von eXcubitors.
2025 folgte „Burning Bridges“, ein Song, der für mich sehr gut zu dem aktuellen Sound der Band passt. Treibende elektronische Beats, Synthesizer und eine eingängige Melodie verbinden sich mit einer eher nachdenklichen Grundstimmung.
Kurz darauf erschien das Album „Beyond the Silence“. Für mich gehört es zu den interessantesten Veröffentlichungen von eXcubitors. Das Album beschäftigt sich mit persönlicher Zerrissenheit, gesellschaftlichem Druck, Veränderung, Selbstreflexion und gleichzeitig auch mit Hoffnung.
Musikalisch wird die cineastische Seite hier noch stärker hervorgehoben. Atmosphärische Synthesizer treffen auf treibende Beats und teilweise tiefgründige Texte. Dazu kommen verschiedene Remixe, die noch einmal zeigen, wie gut der Sound von eXcubitors auch innerhalb der elektronischen Szene funktioniert.
Auch 2026 bleibt die Band aktiv. Mit Songs wie „Ordinary Sin“, „Let Me Dance“ und „Feel Again“ wird der eingeschlagene Weg weitergeführt. Gerade „Let Me Dance“ verbindet Synthpop mit Darkwave- und Futurepop-Elementen und bringt gleichzeitig wieder diese typische Mischung aus Atmosphäre und Tanzbarkeit mit.
Live setzen eXcubitors nicht nur auf die Musik. Licht, Laser und Projektionen gehören ebenfalls zum Konzept. Das passt für mich sehr gut zum cineastischen Anspruch der Band und macht die Auftritte zu mehr als einem normalen elektronischen Konzert.
Was ich an eXcubitors besonders mag, ist die Balance zwischen Melodie, Atmosphäre und Tanzbarkeit. Die Musik ist eindeutig im Synthpop verwurzelt, bleibt aber nicht bei einfachen Clubtracks stehen. Immer wieder gibt es dunklere und atmosphärische Momente, die den Songs mehr Tiefe geben.
Dabei zeigen eXcubitors für mich auch, dass Synthpop nicht einfach eine Wiederholung der 80er-Jahre sein muss. Die Einflüsse von Depeche Mode, Kraftwerk und Tears for Fears sind zwar hörbar, aber die Band hat daraus über die Jahre ihren eigenen Stil entwickelt.
eXcubitors stehen für Cinematic Synthpop aus Deutschland – melodisch, atmosphärisch, elektronisch und tanzbar. Musik zwischen Synthpop, Darkwave und Futurepop, mit treibenden Beats, dunklen Klangwelten und einer deutlichen Liebe zu großen cineastischen Soundscapes.
Webseite:
https://excubitors.de/
Facebook:
https://www.facebook.com/excubitors
Bandcamp:
https://excubitors.bandcamp.com/track/feel-again
Booking:
https://epk.excubitors.de/
eXcubitors – Band Profile
eXcubitors from Marburg, Germany, are, for me, one of the more interesting German projects somewhere between Synthpop, Darkwave, Futurepop, and electronic music. What I particularly like about them is the combination of catchy melodies, driving beats, and an atmospheric, almost cinematic sound.
The band was founded in 2006 by brothers Sascha, Stephan, and Thomas Viereck. From the beginning, it was clear that eXcubitors were not simply interested in making classic Synthpop. Electronic sounds and synthesizers form the foundation, but they are repeatedly combined with darker and more atmospheric elements.
Their influences include artists such as Depeche Mode, Kraftwerk, and Tears for Fears, as well as electronic music and film scores. I find this combination particularly interesting. The songs can definitely work on the dancefloor, but at the same time they have an atmosphere that goes far beyond the typical club track.
The first album, Auferstehung aus Ruinen, was released in 2007, followed by Operation Observation in 2009. Even at this early stage, the band was developing its own style, combining electronic melodies with more reflective and socially inspired themes.
After a longer break, eXcubitors returned in 2014 with Wächter. The title actually fits the band quite well, as the name “eXcubitor” comes from Latin and can roughly be translated as “watchman” or “guardian.” The band has repeatedly explored themes such as social developments, human behavior, and personal experiences.
In 2016, Ronny Strehmann joined the band and shared vocal duties with Stephan Viereck. He was also involved in the band's video production. This lineup remained together for several years before Strehmann left the band in 2019.
With Another Dimension, the band's fifth studio album, eXcubitors took another important step in their development in 2021. For me, the band's own description of their music as “Cinematic Synthpop” fits particularly well.
Synthpop remains the foundation, but it is expanded with spacious electronic layers, atmospheric sounds, and almost cinematic moments. The result is a sound that can be modern, melancholic, and danceable at the same time.
Tracks such as “Stranger” show this combination particularly well. Catchy melodies meet electronic beats and a darker atmosphere. At the same time, the lyrics often deal with subjects that go beyond typical love songs or club stories.
At the end of 2023, Heiko Schwab joined the band. He has since been involved as a co-producer and also supports eXcubitors live on keyboards. This added another important musical element to the current lineup.
This period also marked the beginning of a new and particularly active live phase for the band. Songs such as “This Is the Way” and “United” became important parts of the current live set. “United” in particular shows a somewhat more positive and community-focused side of eXcubitors.
In 2025, “Burning Bridges” followed. For me, the track fits very well with the band's current sound. Driving electronic beats, synthesizers, and a catchy melody are combined with a more reflective mood.
The album Beyond the Silence followed soon after. For me, it is one of the most interesting releases in the band's catalogue so far. The album deals with personal conflict, social pressure, change, self-reflection, and, at the same time, hope.
Musically, the cinematic side of eXcubitors becomes even more noticeable here. Atmospheric synthesizers meet driving beats and sometimes deeper lyrical themes. The various remixes also show how naturally the band's sound fits into the wider electronic music scene.
eXcubitors have remained active in 2026 as well. Tracks such as “Ordinary Sin,” “Let Me Dance,” and “Feel Again” continue along the same path. “Let Me Dance” in particular combines Synthpop with Darkwave and Futurepop elements while once again bringing together atmosphere and danceability.
Live, eXcubitors are not focused on music alone. Lights, lasers, and projections are also part of the concept. For me, this fits perfectly with the band's cinematic approach and turns the shows into more than a standard electronic concert.
What I particularly like about eXcubitors is the balance between melody, atmosphere, and danceability. The music is clearly rooted in Synthpop, but it does not stop at straightforward club tracks. There are always darker and more atmospheric moments that give the songs additional depth.
For me, eXcubitors also show that Synthpop does not have to be a simple repetition of the 1980s. The influence of Depeche Mode, Kraftwerk, and Tears for Fears can certainly be heard, but over the years the band has developed these influences into something of its own.
eXcubitors stand for Cinematic Synthpop from Germany — melodic, atmospheric, electronic, and danceable. Music somewhere between Synthpop, Darkwave, and Futurepop, driven by powerful beats, dark soundscapes, and a clear love for large cinematic atmospheres.
